海利 6

看來看去。

海利 (Peter Halley) 的書寫比較像是一種觀念藝術，他的繪畫則是文字的插圖。

City Frame Series IV - 2, 2008, acrylic on canvas, 40 x 40 inches each

對話 8

YJ：正如你所說，當初抽象出現時也根本出現了兩種不同面的解釋，抽象和再現本來就是一體兩面，而到了這個階段，抽象或許變成一種準則，且囊括了更多的文本，但是調和抽象與再現的命題有很多人討論嗎？

SP：好像沒什麼人在討論，或許，一般不會認為這是個問題，我開始做 Melbourne Series 的時候，也沒想過這個問題，出發點也不是要去找一種可以調和抽象與再現的東西，是後來我觀察、思考我以前到現在的作品，發現結果好像是這樣，所以，我才以為這是 style / form 的問題，而不是 subject matter。

5G, 2005, wood and wood lacquer, 13 x 13 x 2.5 inches

對話 7

YJ：你認為你有 refuse 再現嗎？

SP：我的作品並不反對再現，甚至，我認為它們是一種非客觀的再現作品。我覺得抽象跟再現本來就是一體兩面的東西，要談的話，只能看是從什麼角度切入，否則，應該是很困難的。另外，抽象，我以為 style / form 的問題，不是 subject matter，談 style / form 的話，重點在 why，而談 subject matter 是 what（當然，很多的 why 也可以變成一種 what），我的論文第一章，寫的其實就是為什麼我會畫扁平的東西，以及扁平其實是用來調和抽象與再現的問題（不過，對某些藝術家來說，這可能根本不是一個問題，也不會有這種問題），我談的是從自己2000開始的純粹非再現作品，到現在的非客觀再現作品，從作品形式的轉換過程中，所獲得的一些想法或結論，我以為，也只有從這個角度來談，才是有意義的，也是我能力許可內可以去談的。

0D, 2000, acrylic on canvas, 12 x 12 inches

對話 6

YJ：其實東方一直是抽象的，尤其文化中很多比喻，包括文字本身就是一種抽象，而徐冰就是將它發揮者（以西方的方法）。（不知是否正確？）

SP：我覺得中國文字是具象的，因為是象形文字，是由圖象轉變來的，徐冰有許多作品就是在玩這一點，像他有一系列作品的形象，就是一隻真的鳥慢慢變成中文的「鳥」字，而他的成名作「天書」是結合中文與英文，所創作的一套很難看得懂的文字（天書的原意），我覺得，這很像藝術家在建立自己的一種價值系統…

3B, 2003, acrylic on canvas, 60 x 60 inches

對話 5

YJ：我想問的是繪畫中的表現（東方的抽象）應如何被看待呢？

SP：我其實不知道怎麼回答這個問題，我認為真的最好的藝術（這樣說可能不是很恰當），應該不會是很 local 的東西，如果說有一種很 local 的東西，可以得到全世界的理解，那表示說它的本質早已超越 local 了，也許說抽象，不管是東方還是西方的，也是這樣？

0415, 1998, monotype, 22 x 30 inches

對話 4

YJ：你有想過東方的抽象嗎？（抽象主義來自西方，那真有可能出現東方的抽象嗎？）

SP：我創作的時候沒想過，也不會去想。我覺得，如果要談東方的抽象，頂多只能說它是一種東方看待世界的角度或切入點，就像西方的抽象主義（指十九世紀末開始的），也只是當時所開始的、一種不同以往的、看待現實世界的方式。

So That's What It Is - 2, 2007, color print, 6.5 x 8.5 inches

對話 3

YJ：也請你多談一點Who Am I ?。

SP：Who Am I ? 是 China Series 的第四個系列，也是最後的一個系列。China Series 本身是在反映近期的兩岸關係，裡面所有繪畫的顏色，都是選擇具有政治象徵色的。Who Am I ? 的五件繪畫，配合特定的框架尺寸（肖像畫的格式），如果跟其它三個系列擺在一起，我想應該很容易看出我的暗示，另一方面，如果是單獨展出，可能觀者會往單色畫的問題去思考，這也是我想到達成的一個目的，因為，我覺得兩岸問題就像單色畫一樣，有許多一體兩面而又矛頓的地方，當然，會這樣做也跟我對單色畫的高度興趣有關，我一直覺得單色畫是最具觀念性的繪畫。

Pyramid of the Moon, 2005, acrylic on canvas, 40 x 60 inches

對話 2

YJ：從 City Frame 到 My Brunswick，你不斷從解釋、解構，到創造（我認為 My Brunswick 應是你的創造了），你可以多談一點嗎？

SP：在墨爾本所創作的這些作品，其實反映的就是上述所說的經過，我試著去了解這個城市，不只是它的物理樣貌，我也試著以一種心理的角度，去了解為什麼一切會是這樣。這個創作的期間，有時候，我感到自己真的在這裡（事實上，我的確住在這裡），有時候，又感覺自己像旁觀者一樣的來看自己。

Finding Series III - 2, 2008, acrylic, ink and pencil on paper, 11.5 x 8.25 inches

對話 1

YJ：是否你到了澳洲，作品和自我認同有更大的關係？當然感到你的認同的「範圍」很廣泛，跳脫一般所謂的身分而已？

SP：有，不過這個認同比較像是我如何去適應這邊的環境，尋找一個最適合自己的平衡點。不只是單向的去調整自己來適應新的環境，我也希望我這個時候的存在，對這個地方，是有一點點意義的。

Finding Series III - 1, 2008, acrylic, ink and pencil on paper, 11.5 x 8.25 inches

原住民繪畫 1

在澳大利亞的原住民繪畫中，特定的色彩和圖案的運用，是一種在土地上所發現的、有關身分認同的符號，它們反映出當地原住民如何看待土地、自然，以及生命的現象。

可是，很多今日的原住民藝術家，似乎為了畫「原住民繪畫」而畫，他們的作品跟上面所提到的意義，一點關係也沒有。

Heart of Darkness, 1998, linocut, 30 x 41.5 inches

幽默

在作品中創造幽默並不容易，幽默的火候不夠，可能沒有人會微笑，幽默過火，卻又可能變成一種嘲諷。

書寫作品中的幽默難度更高，因為，你不能解釋幽默，否則，它就不幽默了。

City Frame Series I - 2, 2007, acrylic on canvas, 12 x 12 inches

扁平 6

我從畫布繪畫開始，也從畫布繪畫結束；這當中有漂移，不過，沒有漂很遠。

從畫面側邊也上色的畫布繪畫，到牆面繪畫、牆與牆之間的薄木片裝置、純粹立體的雕塑裝置，回到側邊有上色的畫布繪畫，再抵達完全平面的畫布繪畫，這是一個通往「扁平」的旅程。

City Frame Series II - 5, 2007, acrylic on canvas, 40 x 40 inches

藝術家 3

真正誠實的藝術家，很少願意舒服地坐在一個地方太久；創作的原始聚焦，隨著更多事實的逐漸顯露，多少會改變方向。

這不是失焦，這是指探險總是為旅程帶來意義。

A Runaway Zero - 5, 2007, color print, 6.5 x 8.5 inches

品味

在電影芙烈達 (Frida) 中，男主角迪亞哥 (Diego Rivera) 有一句令人印象深刻的台詞：「有錢人有品味。」

的確，有錢人有比較多的機會去接近、去學習，甚至，去購買品味。但是，到底什麼是所謂好的品味呢？

So That's What It Is - 1, 2007, color print, 6.5 x 8.5 inches

網站

現在的藝術家很流行架設作品網站，有名的藝術家用來做為資料庫，年輕的藝術家則當成一種新形式的作品集，方便快速地傳播自己的作品。

還有一種作品網站，本身就是作品，它被稱為「網路藝術」，這種藝術本來就是以網站的方式來呈現，它不但是展示作品的作品集，也是作品的實體。

Finding Series II - 1, 2008, pencil and ink on paper, 11.5 x 8.25 inches

展覽 5

展覽分為兩種：一種是你走進展場時，馬上會「哇！」，可是繞了一圈，走出展場時，你會「嗯…」（音調下揚）。另一種是走進展場時，你會「嗯？」（音調上揚），仔細看看作品，你才會「哇！」。

作品能不能禁得起時間的考驗是很重要的。

City Frame Series I - 1, 2007, acrylic on canvas, 12 x 12 inches

克蘿思

克蘿思 (Anastasia Klose) 的錄像、攝影、裝置，以及文字作品，以一種幽默、詼諧、嘲諷的方式，描述當今年輕藝術家的煩惱與憂愁，相信小牌藝術家看到了，內心一定五味雜陳。

有趣的是，很明顯的，克蘿思並不小牌。

Finding Series I - 3, 2007, ink and pencil on paper & collage, 8.25 x 11.5 inches

丁乙 2

丁乙 (Ding Yi) 的「十字」作品，想要表達的不只是思維能力，更多的可能是一種個人能量的感覺，中國傳統繪畫表現個人能量（精神或「氣」？）的概念，似乎影響到丁乙對於結構的處理與系列的使用。

這是丁乙的作品和西方抽象圖式基礎之間的重要差異。

5L, 2005, wood and wood lacquer, 13 x 13 x 2.5 inches

單色畫 7

湯瑪士 (David Thomas)：「純粹的單色畫只出現在想法中，它不是一種物理性的真實。」

單色畫的出現，是以它和其他東西（像是背景、牆面、其他顏色、其他對它產生影響的東西），以及它介入其他東西之間的關係來觀看的，單色畫是用來幫助我們閱讀和思考它周圍的世界的。

Q0, 2000, etching, 11 x 11 inches

相對論

色彩：單色的彩色的，彩色的單色的。情緒：橘紅色的悲傷的，深藍色的快樂的。溫度：淡藍色的熱的，火紅色的冷的。位置：黑色的近的，白色的遠的。重量：白色的重的，黑色的輕的。

這是色彩與文字的相對論。

My Batchelor Series V - 1, 2009, ink on paper, 2 pieces, 8.25 x 11.5 inches each

湯瑪士

在湯瑪士 (David Thomas) 的個展「色彩。時間。」中，展場的各個牆面平塗上不同的顏色，變成一張張彩色的畫布，真正的畫作則成為裝置空間的「物件」，藉由畫面上的攝影形象和色塊（另一個空間），與牆面的顏色相互呼應，做為一種聯繫時間的點。

這種以特定觀念為主導的繪畫，比較不強調繪畫動作進行中的感覺，所謂的繪畫性的筆觸，通常也被降低到最低的極限。

China Series I - 1, 2008, acrylic on canvas, 12 x 12 inches

展覽 4

不是每個展覽都是令人期待的，少數令人期待的展覽中，大多數的只讓人想去看看作品，沒有參加開幕的動力。

一個連開幕都令人想要參加的展覽，表示觀者與藝術家之間，有著更多的其它連結。

3I, 2003, acrylic on canvas, 40 x 60 inches

色彩 9

貝切勒 (David Batchelor)：「色彩讓我們看到一些我們分類、歸納經驗，特別是感覺經驗的方法，一些我們常常忽略的思考習慣，一些我們的偏好和文化偏見。」

對於色彩的理解，在解釋色彩是如何被運用的，扮演著重要的角色。但是，對於一個決定使用那些顏色的藝術家，這可以是反過來的道理，那一部分的方法是被安排在這些顏色呢？

City Frame Series I - 5, 2008, acrylic on canvas, 12 x 12 inches

靈感 1

十年前的我，以為靈感是創作中很重要的東西，只要有靈感，馬上可以開始新的作品。

現在的我，還是認為靈感很重要，但是，這個靈感已經不再是以前那種上帝幫忙的東西。現在的靈感，或許不能稱為靈感，它比較像是經過充足的思考、閱讀，與嘗試後，在適當的時間，自然會跑出來的東西。

City Frame Series II - 4, 2007, acrylic on canvas, 40 x 40 inches

賈德 2

賈德 (Donald Judd)：「材料、空間和色彩是視覺藝術的主要觀點。」

在材料上，賈德稱他的作品為「特定物體」，這是用來說明它們既不是雕塑，也不是繪畫；在空間方面，「特定物體」通常不是實心的，它與周圍的空間產生關係；在色彩方面，賈德以繪畫的概念來處理材料上的色彩問題，「特定物體」不是色彩的身體。

5O - 2, 2005, wood and wood lacquer, installation dimensions variable